Critico d'arte su Alexander Peca

Le immagini dell'artista di Nova Gorica Aleksandar Peca sono esclusive, sublimi. Sono come una sorta di cartoline o foto di famiglia. Quelli che portano notizie portano un messaggio da lontano, da un amico da un vicino… quelli che ricordano un evento, un tempo, un momento. Sono scene intrinsecamente catturate di uno stato consacrato della memoria.

Questi dipinti non parlano di un “evento” ma di una messa in scena. I raffigurati nelle pose dei ritratti ci guardano direttamente da loro e nel loro sguardo ribelle, sguardo provocatorio, realizzano la citata esperienza con lo spettatore.

I ritratti sono "incastonati" nella cornice. Abili, sottilmente “sintonizzati” secondo le loro caratteristiche attributive. L'immagine messa in scena è una ricerca, una cattura dell'obiettivo, che lascia uno spazio aperto all'immaginazione per implicazione. Ma l'ordine intransigente in questi dipinti si accumula come una carica intenzionale del contesto ideologico dell'artista, dove il soggetto è un'entità soggettiva che si muove all'interno del proprio essere all'interno della lince esistenziale. La calma dei protagonisti, posti nell'immagine come davanti all'obiettivo di una macchina fotografica, riflette la sovranità nella loro posa.

Il dinamismo latente rivela il ritmo figurale dell'immobile nel movimento come un'occasione fabulativa, romanzesca, ma parallelamente ne deriva come una peculiare autopsia dell'autoritratto, uno "scuoiamento" in sovrapposizione con un altro manto di verità. In ogni caso, l'affetto personale dell'artista, la sua attenzione al visivo, alla potenza del visibile, all'abbondanza dell'ottica, che si accumula sull'unicità del soggetto, è originariamente derivata. Gioca con il drappeggio, l'etnologia del folklore estetico orientale, il simbolismo storicamente applicato delle personificazioni e l'attribuzione dei soggetti.

Così, la comprensione di queste immagini è all'inizio istintivo un piacere, che però, in una percezione più profonda, cresce nella consapevolezza del culto del pittore. La natura iconica è sempre più evidente in queste immagini.
La performance mimetica è un modo per dimostrare che l'artista nasce dalla convinzione che la guida di base al contenuto sia l'iconografia. Qui dobbiamo capire il modo di dipingere come mezzo. Solo il foto-principio può essere coerente in questo senso. L'oggetto dipinto è un soggetto chiaramente, inequivocabilmente definito, un'unità figurale, ottica che è portatrice di meta, uno pseudo-discorso, dove la realtà è trasferita all'immaginazione, dove tutto è pieno di estetica romantica, scene, teatro...

Come se lo fosse davvero? Sono un samurai, un astronauta, un kamikaze, una geisha o una bellezza in lattice e un corsetto di pelle… La particolarità che hanno (possiedono) i protagonisti è che le figure si trasferiscono in una relazione reciproca, l'indipendenza si disintegra e fugge in un'altra relazione. Nulla è individuale, ma si espande in un intreccio dove non c'è razionalità, ma forse più simbolismo, una relazione di codice simbolico.

Tuttavia, non è proprio una metafora, un simbolismo esclusivo, ma più che altro una sfida visiva.

La bellezza appare in queste connotazioni di femminile, maschile, giapponese, americano, orientale, occidentale, tradizionale, tecnico, biotico, barocco, erotico.

È Bellezza oltre l'estetico, oltre il razionale, è nel campo del superestetico, nella sfera dell'unione dell'immaginario e del reale. Può essere erotico o supereroticamente perfetto, sublime, sublime. La bellezza è spazio, è un luogo, è l'apparire di un principio positivo, uno stato percepito di coscienza nobilitata. La bellezza è quando l'istinto si intreccia con il piacere di guardare (edonismo guerriero), è soddisfazione nel visivo. La bellezza nell'impeccabile, nella perfezione, dove risiede tutto il benevolo lirismo poetico. La bellezza in sostanza, nel suo nucleo. La bellezza come opposizione alla cultura dello splendore, che nel fenomeno kitsch emergente delle attuali performance flat populiste, nell'illustratività, dove non c'è nulla di sofisticato ma solo apparenza, spreca la forma estetica.

E proprio per questo diremmo che nonostante l'inclinazione associativa di fronte alle immagini in questione ci porti in un primo momento a fumetti banali (manga), questo non è un fumetto. Sono immagini in cui l'atteggiamento profano esiste come una sorta di sacralità nascosta, feticizzazione, culto intimo.
In breve, Aleksander Peca crea immagini che vengono create sulla base di una forma figurativa rifinita in modo molto realistico. Con la sua iconografia autorialmente definita e provocatoria, che si manifesta per lo più nel confronto e nell'insolita unificazione del mondo orientale e occidentale, tocca spesso anche l'area della sessualità tabù del feticismo. In ogni caso, i suoi dipinti sarebbero visti come un'intima ricerca della scoperta dell'autore dell'estetica di una forma che si riversa nel contenuto per raggiungere uno stato aggiornato e un carattere speciale di coltivazione. Si tratta di unificare la differenza nel nuovo ordine creato. Il travestimento è una modalità, è un modello progettuale della realtà mutevole, che in modo giocoso, come Peca non è mai pesante o appesantito da cupe, transita piacevolmente in una nuova realtà.

Figure, in arredi insoliti o in un ambiente popolato da personaggi insoliti sono i portatori della narrazione in questo dipinto. La genericità negata degli oggetti consente un paradosso e crea un percorso di intreccio etnologico, estetico, erotico, tecnologico, astrologico… Tutto è possibile, nel tempo che ci circonda e nello spazio che scorre insolitamente davanti alle immagini di Aleksandar Peca .

Dejan Mehmedovic, critico d'arte